20世纪音乐是什么，有哪些特征？

	20世纪古典音乐最重要的发展之一是调性的有效消解。自文艺复兴后期以来主导音乐格局的整个琴键系统被许多作曲家所取代，最终被称为“连续体主义”。


	在20世纪初，奥地利出生的作曲家阿诺德勋伯格发现他已经陷入了一个和声的僵局，他需要一个解决办法。调性不再能够为勋伯格提供它曾经的音乐可能性。例如，理查德瓦格纳音乐中的极端半音主义使调性和调性中心的概念在音乐中实际上是无效的。勋伯格下一步发明了自己的音乐组织体系，使十二个半音音阶的每个音符都相等。这立刻瓦解了音调系统，随之而来的是一个声音世界，把音乐推向一个越来越不和谐的存在。


	




	20世纪音乐的特点


	序列主义（序列音乐）在音乐史上产生了一场前所未有的革命。在许多方面，它反映了西欧在第一次世界大战的到来和1939年第二次世界大战开始时所面临的动荡时期。音乐变得越来越棱角分明、刺耳、难听，尽管已故浪漫主义作曲家的音乐继续在埃尔加、芬奇、布里顿、豪厄尔斯和西贝柳斯的作品中出现，但20世纪音乐现在所走的道路完全不同。


	管弦乐团作为20世纪作曲家倾诉心声的媒介，仍然是一个非常受欢迎的乐团。就管弦乐力量的规模而言，它们与19世纪末非常相似，通常包括中音或中音萨克斯管，这是一种非常多样化的打击乐器集合，通常包括来自世界各地的乐器。在20世纪，管弦乐队继续发展的是它的使用方式。许多作曲家对管弦乐手提出的技术要求变得极端，因为许多作曲都在构思新的原则。为了进一步扩大音效的可能性和创造更具冒险性的音景，扩展播放技术变得司空见惯。


	随着20世纪的发展，电子技术被引入管弦乐。这可能包括使用预先录制的磁带、合成器、放大和声音处理或处理。在许多情况下，这一结果与20世纪听众所能听到的相去甚远。这种前卫的音乐进入了纯粹的学术音乐领域，大多数没有音乐博士学位的人都无法企及。在某些方面，这是因为不仅音调系统在这些作品中消失了，而且传统上来自管弦乐队的熟悉和期望的音色也被改变到了某种程度，在某些情况下，变得无法辨认。


	许多20世纪作品的复杂性包括了有史以来更为复杂的节奏发明。“多节奏”（许多节奏）是20世纪一些作品的一个特点，这些作品产生了如此密集的织物纹理，以至于无法选择跟随旋律或和声进行。尽管斯特拉文斯基在芭蕾舞剧《春天的仪式》中高度有效地运用了多种节奏，但这仍然是可以理解的。跟随他的作曲家如莫顿·费尔德曼、迈克尔·菲尼西、艾略特·卡特和布赖恩·费尼霍夫等，衍生出了后来被称为“新复杂性”的东西。


	许多来自这些作曲家的作品都是非常难理解的，尽管从一个有标记的乐谱上看很有趣。音乐也开始包括全新的调音系统，将八度音阶分成12个相等的部分，定期被“微调”选项所取代，包括四分之一音调和六分之一音调。对于听过马勒、柴可夫斯基或布鲁克纳作品的人来说，这个声音世界提出了大量的问题。


	复杂性和实验性音乐并不是20世纪作曲家探索的唯一途径。例如，在美国，“极简主义”作曲流派的兴起迅速吸引了许多新兴作曲家和听众。简言之，极简主义的概念与作曲家对新复杂性的渴望截然相反。极简主义的灵感来自巴厘岛和爪哇岛的音乐，也有很多案例是Gamelan的声音。它使用分层ostinati的思想来生成一个音乐作品。


	这些重复的模式既有节奏又有旋律，它们的和声焦点仍然在音调谱中，脚仍然在。极简主义者使用各种各样的节奏装置来保持对他们的作品的兴趣，包括最常见的“阶段化”。从本质上讲，这个装置会在短时间内取代一个音乐短语，把它放在任何发声材料的后面或前面。这是一种“多普勒效应”。


	相当多的极简主义作品通过全新的乐器和声音组合来探索类似的声音。这反过来又赋予了这种音乐一种独特的声音。


	“木块音乐”是一个更出色的例子，它充分利用了同质合奏和许多巧妙的作曲技巧。从许多极简主义作曲家的作品中，包括约翰·亚当斯（johnadams）对什么是音乐以及如何聆听和演奏音乐进行了重新定义。像迈克尔·尼曼这样的作曲家在电影界取得了成功。例如从这一学派的众多作品的可及性。


	其他作曲家深入研究了他们家乡的本土音乐。巴托克和沃恩·威廉姆斯是两位作曲家，他们花了大量时间探索和记录了他们各自国家的民谣曲调。肖斯塔科维奇在他的交响乐作品中加入了俄罗斯歌曲，在斯大林统治时期，他本人和家人都面临着巨大的风险。法国作曲家奥利维耶·梅西恩（Olivier Messiaen）从鸟鸣中寻找灵感，并用自己的和声和旋律创作方案，体现了他深厚的灵性。20世纪有大量丰富的音乐可供大家探索和欣赏。